- A mitades de los 80's se consolida un perfil de bandas inglesas que recuperan la "Wall of Sound" de Phil Spector. El efecto que inventó el joven del Bronx en los 60's , mezclando orquestaciones con grabaciones múltiples de los mismos instrumentos de rock, se atomiza en un sólo artefacto: el "Fuzz". Este efecto para guitarra, crea una "cortina" de ruido constante, un ruido blanco (white noise) que se percibe en diferentes capas o niveles auditivos, dándole a las canciones un halo de ensoñación. Este estilo de composición y sonido desembocó en una corriente llamada "Shoegaze". El "Shoegaze" destacaba por crear una barrera de sonido como fondo a la melodía, la cual era encarada como un instrumento más. Algunos periodistas la denominaron así "Shoegaze" (shoe, zapato; gaze, mirar), porque los músicos una vez se ponían a tocar no dejaban de mirar el suelo a sus pedaleras de efectos durante todo el concierto. Este efecto que producía el sonido similar al zumbido de una abeja, fué por primera vez utilizado por The Ventures en 1961, con un pedal hecho especialmente para ellos, aunque el sonido "fuzz" se registró por primera vez una década antes, en 1951, en la canción "Rocket 88" de Ike Turner and The Kings of Rythm. El sonido se lograba por la saturación de los antiguos amplificadores llamados "a vávula" que una vez recalentaban, distorcionaban el sonido emitido.
- Luego bandas como The Velvet Underground, The Who o The Jimi Hendrix Experience, también lo utilizaron para dar más textura a sus composiciones. Pero fué en los 80`s que se utilizó mas popularmente. The Jesus & Mary Chain, Spacemen 3, My Bloody Valentine, se podría decir los precursores del "Shoegaze", tenían como sello característicos ese zumbido constante y envolvente como marca de la casa.
- En estos días siguen surgiendo grupos llamados "Nu-Gaze" (Film School, Ceremony) como la tercera generación de usuarios de multiefectos que continúan con la vieja fórmula de la melodía montada sobre el zumbido de una abeja.
un sitio inexistente
ud. no está aquí !
lunes, 13 de agosto de 2012
-"Por los Circuitos de Spector"-
-"El Circo de Calder"-
- En los siete años que duró su temporada parisina (1926-1933),
Alexander Calder se consolidó como el artista que todos conocemos. El
contacto con otros artistas como Jean Arp y especialmente Piet Mondrian, surtiría
un efecto de expansión en su producción artística, que le haría dar el
salto de las dos a las tres dimensiones. En esos años aún no habían ni
Mobils ni Stabils, pero sí había algo que sorprendió y que
instantáneamente se convirtió en el espectáculo que los artistas y
amigos reclamaban al caer la noche en su taller: "El Circo de Calder".
Lo que comenzó siendo un divertimento personal, para aplacar los
momentos de soledad, terminó convirtiéndose en la atracción del
personal, en una obra genial de micro ingeniería y arte cinético, que
atesora celosamente el Whitney Museum en su totalidad, al ser donado por
el artista en el año 1970. Caballos, trapecistas, equilibristas,
bailarinas exóticas, todas las estrellas del mundo circense realizadas
en alambre, maderitas, corchos, trozos de tela, que se movían casi por
arte de magia ante la mirada infantil de los espectadores. Un
espectáculo que sólo el genio de los alicates y el equilibrio podía
brindar.
-"Las Cajas de Estocolmo"-
Andy brillando |
James
Harvey (1929-1965) el artista expresionista abstracto que creó las
cajas en 1961 y que vivió humildemente de su trabajo, presenció perplejo
las cifras que alcanzaban en algunas galerías sus cajas. Nunca las
consideró arte.
viernes, 10 de agosto de 2012
-"Fin del Misterio Emplumado"-
Una típica "Pfeilstorch". |
Más cercano a nuestra época fué un panfleto del
año 1703, que afirmaba que las aves volaban hasta la misma Luna donde permanecían hasta comenzar la temporada cálida en la Tierra.
Pero todo el misterio y fantasía extraterrestre se dió contra el suelo, el 21 de Mayo de 1822, cuando una cigüeña con una lanza atravesada, irrumpió en las ensoñaciones científicas. Unos observadores en el estado de Mecklenburg (Alemania), divisaron en el aire una cigüeña con lo que parecía una lanza de más de 80cms que atravesaba su cuerpo. Al observarla, confirmaron sus sospechas y la lanza fué catalogada como del Africa Central. La cigüeña había volado desde las cálidas tierras africanas, atravesando casi todo el continente europeo literalmente "empalada", hasta tierras teutonas. Este hecho fortuito, develó el misterio de hacia donde se dirigían las aves cuando acababa el verano.
Esta cigúeña puede ser visitada en el Museo Zoológico de la Universidad de Rostock, y no fué un caso aislado, a partir de ese año, se descubrieron más de 20 casos de "Pfeilstorch", es que los alemanes para cada cosa tienen un nombre.
Pero todo el misterio y fantasía extraterrestre se dió contra el suelo, el 21 de Mayo de 1822, cuando una cigüeña con una lanza atravesada, irrumpió en las ensoñaciones científicas. Unos observadores en el estado de Mecklenburg (Alemania), divisaron en el aire una cigüeña con lo que parecía una lanza de más de 80cms que atravesaba su cuerpo. Al observarla, confirmaron sus sospechas y la lanza fué catalogada como del Africa Central. La cigüeña había volado desde las cálidas tierras africanas, atravesando casi todo el continente europeo literalmente "empalada", hasta tierras teutonas. Este hecho fortuito, develó el misterio de hacia donde se dirigían las aves cuando acababa el verano.
Esta cigúeña puede ser visitada en el Museo Zoológico de la Universidad de Rostock, y no fué un caso aislado, a partir de ese año, se descubrieron más de 20 casos de "Pfeilstorch", es que los alemanes para cada cosa tienen un nombre.
-"El Extraño Caso del Sr. Masakichi"-
-El
escultor japonés Hanamuna Masakichi (1832-1895), al enterarse de que
moriría inminentemente de tuberculosis, quiso hacer un obsequio
a su amada y pensó en algo especial, que lo eternizara por siempre jamás.
Para ello Masakichi realizó el autorretrato escultórico con la mayor exactitud que se haya visto jamás.
Para ello Masakichi realizó el autorretrato escultórico con la mayor exactitud que se haya visto jamás.
Sin
dudarlo un instante, se puede afirmar que es la primera obra "hiperrealista" de la Historia del Arte.
Con suma paciencia Masakichi, talló más de 2000 piezas de madera, copiando meticulosamente cada parte de su cuerpo mediante espejos, logrando una exacta y fiel réplica de su ser. Cada pieza fué ensamblada y encolada, sin un sólo clavo, con la unión "Cola de Milano" (una unión muy común en carpintería que emula la cola de un milano).
Ni con lupas se pueden ver las uniones casi perfectas de cada segmento de su cuerpo. Piel, arrugas, venas, huesos, todo fué copiado con máximo rigor por el artista nipón. Reprodujo incluso los poros de su piel, agujereando la madera e introdujo cada uno de los pelos de su cuerpo en el lugar que les correspondían en su clon. En su agonía creativa llegó a quitarse las uñas de pies y manos e incluso los dientes, para implantarlos en su "alter ego" de madera y así duplicarse para la eternidad.
Quienes vieron a la obra y al artista juntos, no pudieron adivinar quién era quién.
Masakichi murió, diez años después de acabada la obra.
Masakichi fué otra víctima de un diagnóstico médico erróneo.
Con suma paciencia Masakichi, talló más de 2000 piezas de madera, copiando meticulosamente cada parte de su cuerpo mediante espejos, logrando una exacta y fiel réplica de su ser. Cada pieza fué ensamblada y encolada, sin un sólo clavo, con la unión "Cola de Milano" (una unión muy común en carpintería que emula la cola de un milano).
Ni con lupas se pueden ver las uniones casi perfectas de cada segmento de su cuerpo. Piel, arrugas, venas, huesos, todo fué copiado con máximo rigor por el artista nipón. Reprodujo incluso los poros de su piel, agujereando la madera e introdujo cada uno de los pelos de su cuerpo en el lugar que les correspondían en su clon. En su agonía creativa llegó a quitarse las uñas de pies y manos e incluso los dientes, para implantarlos en su "alter ego" de madera y así duplicarse para la eternidad.
Quienes vieron a la obra y al artista juntos, no pudieron adivinar quién era quién.
Masakichi murió, diez años después de acabada la obra.
Masakichi fué otra víctima de un diagnóstico médico erróneo.
-"Swenkas"-
-Los
"Swenkas" fueron un grupo reducido de trabajadores zulú, emigrados del
campo, que decidieron probar suerte en la ciudad. Tenían por costumbre, cada vez que visitaban a sus familiares campesinos, vestir elegantemente, para demostrar lo exitosa
que había sido la decisión de ir a la ciudad. Con el tiempo, esta
práctica, devino en una costumbre y un juego. Estos elegantes señores,
eran considerados la inspiración para los demás. Se reunían los Sábados
por la noche, para competir en estilo y elegancia. Entre ellos mismos se
juzgaban. Siempre llevaban trajes caros de renombradas marcas europeas,
pero lo más importante era cómo lo llevaban; cada uno tenía sus propios
movimientos coreográficos, el llamado "swenk". Cada participante, debía
pagar para poder competir y el ganador de la noche se llevaba todo lo
apostado. Se juzgaba, la higiene personal, la sobriedad, y sobre todo el
respeto, los valores básicos del "Swenking".
-"Moondog"-
-Louis
Hardin "Moondog" (Kansas 1916- Münster 1999), fué un músico ciego,
que vivió en las calles de New York.
Muchos lo consideran el primer
"minimalista". Venerado por artistas como Phillip Glass, ejecutaba sus
piezas musicales en la calle, vestido de
vikingo. En 1974 se trasladó Alemania junto a su esposa de origen alemán. En 1989, volvió a los EUA,
donde dirigió la "Brooklyn Philharmonic Symphony Orchestra" a pedido de
Glass. Murió en la ciudad alemana de Münster.
-"El Pintor Checoslovaco"-
-Cuenta
el director de cine Luis Buñuel en su biografía "Mi Último Suspiro", que estando en la
Residencia de Estudiantes junto con Lorca, le llegó el rumor sobre un
"pintor checoslovaco", también residente como ellos.
Curiosos recorrieron la Residencia en busca de este personaje, que no resultó ser otro que Salvador Dalí; ese fué el comienzo de la convulsa amistad surrealista. No hay explicación del por qué del mote, pero sabiendo como era el artista, respondería a una muestra más de su excentricidad en ciernes.
Curiosos recorrieron la Residencia en busca de este personaje, que no resultó ser otro que Salvador Dalí; ese fué el comienzo de la convulsa amistad surrealista. No hay explicación del por qué del mote, pero sabiendo como era el artista, respondería a una muestra más de su excentricidad en ciernes.
Con el tiempo, Dalí, fué varias veces a Praga, por
diversos motivos artísticos, creando una tendencia en nuevos artistas
checoslovacos, cerrando así la cuadratura del círculo. A mediados de los
70's, estando Dalí en un restaurant en Figueres, se le presentó un
escultor checoslovaco, quien le pidió sin muchas esperanzas que posara
para él y sorpresivamente Dalí aceptó. Seguramente por haber sido de
donde era, el artista cedió al pedido de Josef Nálepa. Fué el último
checoslovaco que conoció Dalí.
-"Samuel Clemens"-
-El
Padre de la Literatura Norteamericana, Samuel L Clemens, adoptó el
seudónimo de "Mark Twain" para sus primeros escritos periodísticos, tras
verse en una gran bajante del Mississippi y notar que su "steamboat" se
encontraba en la "marca dos",
correspondíente a "dos brazas", 3,6mts, la mínima profundidad para
navegar seguros. El término "twain" era en realidad "two" en el argot de
los negros que trabajaban en el puerto. El Mississippi era el río más
peligroso para navegar de Norteamérica, por lo sorpresivo de su curso,
requería una habilidad especial, había que conocerlo palmo a palmo, Mark
Twain did.
-"Carpe Noctem"-
La idea de noche cerrada, oscura, inpenentrable es inconcebible en nuestros días.
No es difícil encontrar una fuente de luz cercana, en el caso remoto de que nosotros mismos no portemos una.
Pero si nos retrotraemos en el tiempo, no muchas generaciones atrás, vemos que las únicas fuentes de luz con que contaba la gente eran el Sol y el fuego. Edison con su invento de 1879, cambió el concepto de "noche" con su bombita, pero no fué hasta la década del 20 o 30 del SXX que se hizo de uso común. En las mayorías de las casas y calles, la iluminación era a gas. Es decir, la oscuridad y tinieblas absolutas existieron hasta no hace más de 100 años atrás. Qué tan oscura era la noche?. Suponiendo que una lámpara de uso normal equivaldría a 100 velas o luces de gas y que no fué sino hasta 1650 que las calles se comenzaron a iluminar, la noche no era el mejor momento para salir a pasear. Las noches sin Luna, eran de una oscuridad absoluta. Shakespeare llamó a la noche " el vasto caos pecaminoso" en el que cualquiera podía perder la vida en un santiamén. Los carruajes se despeñaban, las casas eran asaltadas, incendiadas y las plazas se llenaban de mendigos, prostitutas, ladrones y toda la fauna que no se veía durante el día. En la mayoría de las ciudades, las pandillas se adueñaban de las calles. Pero la gente salía igualmente, a pesar de las advertencias de las iglesias y gobiernos. Cuando caía la noche, sonaban timbres, campanas, tambores indicando el cierre de las murallas, y que era el momento de resguardarse en sus casas. Se montaban guardias, se hacía fuegos para iluminar, pero la oscuridad continuaba siendo el mejor momento para el crimen.
Cualquier falta cometida después de la caída del Sol, era doblemente castigada y aún más si era dentro de un hogar. En sitios como Suecia la pena era la muerte. Pero en casos contrarios, el crimen de un ladrón en pleno robo, eran tomados como legítima defensa y no tenía pena ninguna. Para mucha gente la noche era la continuación del día; los pobres buscaban comida en los desechos y se cuidaban de no ser asesinados y los sirvientes cocinaban, cardaban lana, preparaban las actividades del día siguiente. Desde que el primer centinela tomó su puesto hace 3000 años en Mesopotamia, la gente trabajó por la noche. El trabajo de guardia, atrajo a los mismos personajes que merodeaban por las noches, y si no daban la hora a grito pelado o controlaban que las puertas estuvieran cerradas, se emborrachaban junto con sus colegas ladrones y prostitutas. Para algunos autores, la noche era un lugar prohibido, plagado de vapores pestilentes, espíritus diabólicos y de humana depravación, una maravilla. Hay un dicho italiano que dice: "quien sale por la noche, busca una paliza".
No es difícil encontrar una fuente de luz cercana, en el caso remoto de que nosotros mismos no portemos una.
Pero si nos retrotraemos en el tiempo, no muchas generaciones atrás, vemos que las únicas fuentes de luz con que contaba la gente eran el Sol y el fuego. Edison con su invento de 1879, cambió el concepto de "noche" con su bombita, pero no fué hasta la década del 20 o 30 del SXX que se hizo de uso común. En las mayorías de las casas y calles, la iluminación era a gas. Es decir, la oscuridad y tinieblas absolutas existieron hasta no hace más de 100 años atrás. Qué tan oscura era la noche?. Suponiendo que una lámpara de uso normal equivaldría a 100 velas o luces de gas y que no fué sino hasta 1650 que las calles se comenzaron a iluminar, la noche no era el mejor momento para salir a pasear. Las noches sin Luna, eran de una oscuridad absoluta. Shakespeare llamó a la noche " el vasto caos pecaminoso" en el que cualquiera podía perder la vida en un santiamén. Los carruajes se despeñaban, las casas eran asaltadas, incendiadas y las plazas se llenaban de mendigos, prostitutas, ladrones y toda la fauna que no se veía durante el día. En la mayoría de las ciudades, las pandillas se adueñaban de las calles. Pero la gente salía igualmente, a pesar de las advertencias de las iglesias y gobiernos. Cuando caía la noche, sonaban timbres, campanas, tambores indicando el cierre de las murallas, y que era el momento de resguardarse en sus casas. Se montaban guardias, se hacía fuegos para iluminar, pero la oscuridad continuaba siendo el mejor momento para el crimen.
Cualquier falta cometida después de la caída del Sol, era doblemente castigada y aún más si era dentro de un hogar. En sitios como Suecia la pena era la muerte. Pero en casos contrarios, el crimen de un ladrón en pleno robo, eran tomados como legítima defensa y no tenía pena ninguna. Para mucha gente la noche era la continuación del día; los pobres buscaban comida en los desechos y se cuidaban de no ser asesinados y los sirvientes cocinaban, cardaban lana, preparaban las actividades del día siguiente. Desde que el primer centinela tomó su puesto hace 3000 años en Mesopotamia, la gente trabajó por la noche. El trabajo de guardia, atrajo a los mismos personajes que merodeaban por las noches, y si no daban la hora a grito pelado o controlaban que las puertas estuvieran cerradas, se emborrachaban junto con sus colegas ladrones y prostitutas. Para algunos autores, la noche era un lugar prohibido, plagado de vapores pestilentes, espíritus diabólicos y de humana depravación, una maravilla. Hay un dicho italiano que dice: "quien sale por la noche, busca una paliza".
-"Capricorn" de Max Ernst, 1948.-
Una vez en New York, en 1941, Ernst realiza visitas esporádicas a Arizona, lugar donde se establecerá pocos años después. Construye una casa en Sedona y se muda junto a su cuarta esposa y también artista Dorothea Tanning; era el verano de 1946. Como investigador inquieto que era, Ernst se familiariza con la cultura local y en seguida se deja influir por el arte Hopi. En 1948, realiza su primera escultura de gran tamaño: "Capricorn". Algunos la llaman una "síntesis" de su obra hasta ese momento, una obra "enciclopédica", un grupo familiar con reminiscencias de su "Loplop". Los personajes de tamaño mayor al natural, invitan al espectador a tomar asiento junto a ellos, a formar parte del grupo. Una poderosa figura de un toro coronado, empuñando un cetro, sosteniendo una pequeña figura en su regazo, que lo vincula con la tercera pieza por sus características físicas, preside la pieza.. La segunda figura en importancia, la figura femenina, está conformada por una cara de Luna y cuerpo de sirena, elementos que acentúan su femenidad. El grupo escultórico, en lo formal, se relaciona con su obra anterior, principalmente por el uso de la técnica del "collage", esta vez, de objetos moldeados en yeso de diversos orígenes. Por ejemplo el cetro está formado por cuatro botellas de leche, una sobre la otra, a modo de columna y es coronado por una réplica de una máscara "Hopi". La jerarquía de la figura masculina, reside también en la firmeza de sus pies y su hocico tipo trompa y el miembro viril. La figura femenina, por su lado, del tipo cabra, largo cuello estilizado, cuerpo de instrumento de cuerda y tocado con forma de pescado, está realizado casi en su totalidad con los hierros de suspensión de coches. Esta monumental pieza, realizada originalmente en cemento, fué tomada en moldes una vez que Ernst abandonó Sedona, y la volvió a realizar, esta vez en bronce, cuando estuvo nuevamente en Paris, en 1950.
-"Io Sto Con Gli Ipopotami"-
Manada
de hipopótamos arrasa aldeas y sembrados en Colombia (¿?)...la
población aterrada, pero aún más sorprendida exige una explicación. Esto
es real y para entender la causa hay que retrotraerse al "reinado" de
l
capo mafioso Pablo Escobar (1949-1992), quien en sus territorios,
protegidos por su ejército personal, tenía un gran lago con hipopótamos
traídos desde la mismísima Africa. Cuentan que era su animal favorito,
qué siempre había soñado con tener uno y que durante el tiempo que duró
el traslado desde África hasta las tierras colombianas, nunca se había
mostrado tan tenso y nervioso el posteriormente acribillado personaje.
Una vez borrado del mapa Escobar, los mamíferos anfibios africanos,
buscaron guarida y alimento por la campiña colombiana, donde encontraron
similares condiciones de vida que en su originaria África: abundantes
aguas, clima cálido y vegetación selvática. Aún hoy, 20 años después de
la muerte de Escobar, sus amados hipopótamos deambulan por la selva,
dando por saco y perseguidos por las fuerzas de la ley.
-"El Minotauro, el Toro de Minos"-
Zeus había puesto sus ojos en una joven fenicia llamada Europa, hija de
Agenor, rey de Tiro y planeó una estrategia para acercarse a ella sin
ser rechazado. Para ello tomó la forma de un toro blanco y se mezcló con
la manada de los toros del rey.
Los toros fueron divisados por Europa y otras doncellas que jugaban en la playa, y todas se asustaron en un primer momento, por lo que se refugiaron en lugar seguro. E
Los toros fueron divisados por Europa y otras doncellas que jugaban en la playa, y todas se asustaron en un primer momento, por lo que se refugiaron en lugar seguro. E
ntonces,
Zeus salió del rebaño y se acercó hasta ellas, adoptando un
comportamiento de toro manso. Confiadas y como el toro les pareció de
gran belleza, las jóvenes se arrimaron a él, empezaron a acariciarlo y
hasta lo adornaron la cabeza y las astas con guirnaldas de flores.
En un momento en que el toro se había tumbado en la arena, Europa se sentó sobre su lomo. Aprovechando esa circunstancia, el toro blanco, se incorporó y rápidamente se lanzó a la carrera hacia la orilla del agua para introducirse en el mar Mediterráneo con la ansiada carga en su grupa.
Zeus llegó con Europa hasta las costas de la isla de Creta, donde volvió a recobrar su apariencia normal y allí la poseyó. De aquella relación nacieron tres hijos, que tuvieron por nombres Sarpidón, Radamantes y Minos.Una vez abandonada por Zeus, Europa se casó con Asterio, Rey de Creta, el cual se hizo cargo de sus tres hijos previamente concebidos en la unión con el dios Olímpico.
Pasado el tiempo, muerto Asterio, los hijos se disputaron la corona cretense, lo que llevó a uno de ellos, Minos, a ofrecer un sacrificio a Poseidón para ganarse su simpatía. Éste lo aceptó y un hermoso toro blanco emergió del mar. Al verlo tan bonito, Minos no dudó en conservarlo y acto seguido sacrificó otro toro de su propiedad, convirtiéndose así en el rey de Creta. Pero el engañando dios no tardó en descubrir el timo, lo que despertó su ira. Por lo tanto decidió castigar al flamante rey. Provocó el enamoramiento de Pasífae, esposa de Minos, con ese toro emergido de las aguas, creándole la necesidad de unirse a él. Para ello, Pasífae pidió ayuda a Dédalo, el arquitecto artesano, quien creó una vaca de madera en la cual Pasífae se introduciría en su interior y sería llevada hasta donde se hallaba su enamorado. Fué así como Pasífae se unió al toro deseado y de esa unión nació Asterión, el Minotauro.
En un momento en que el toro se había tumbado en la arena, Europa se sentó sobre su lomo. Aprovechando esa circunstancia, el toro blanco, se incorporó y rápidamente se lanzó a la carrera hacia la orilla del agua para introducirse en el mar Mediterráneo con la ansiada carga en su grupa.
Zeus llegó con Europa hasta las costas de la isla de Creta, donde volvió a recobrar su apariencia normal y allí la poseyó. De aquella relación nacieron tres hijos, que tuvieron por nombres Sarpidón, Radamantes y Minos.Una vez abandonada por Zeus, Europa se casó con Asterio, Rey de Creta, el cual se hizo cargo de sus tres hijos previamente concebidos en la unión con el dios Olímpico.
Pasado el tiempo, muerto Asterio, los hijos se disputaron la corona cretense, lo que llevó a uno de ellos, Minos, a ofrecer un sacrificio a Poseidón para ganarse su simpatía. Éste lo aceptó y un hermoso toro blanco emergió del mar. Al verlo tan bonito, Minos no dudó en conservarlo y acto seguido sacrificó otro toro de su propiedad, convirtiéndose así en el rey de Creta. Pero el engañando dios no tardó en descubrir el timo, lo que despertó su ira. Por lo tanto decidió castigar al flamante rey. Provocó el enamoramiento de Pasífae, esposa de Minos, con ese toro emergido de las aguas, creándole la necesidad de unirse a él. Para ello, Pasífae pidió ayuda a Dédalo, el arquitecto artesano, quien creó una vaca de madera en la cual Pasífae se introduciría en su interior y sería llevada hasta donde se hallaba su enamorado. Fué así como Pasífae se unió al toro deseado y de esa unión nació Asterión, el Minotauro.
-"El Pintor Estupefacto: Giorgio de Chirico"-
Influenciado por artistas como Kubin y Boecklin, el joven Giorgio retoma los mitos de la antigüedad clásica, rejuveneciéndolos con una paleta intensa. Una vez en Torino, escribe: ¨ ...que paz, que panorámica...que plazas severas y solemnes con las arcadas que parecen responder a una necesidad: son tan espaciosas que no oprimen...una luz maravillosa...y, que hermosa resulta la ciudad cuando oscurece...¨ El joven artista sin saberlo, nos está describiendo gran parte de lo que sería su futura obra. En medio de sus meditaciones escribe: ¨Crear sensaciones desconocidas en el pasado, desnudar el arte de lo que tiene de aceptado y de común por la generalidad...suprimir completamente al hombre como guía y como medio para expresar los símbolos, las sensaciones, los pensamientos, liberar la pintura de una vez para siempre del antropomorfismo...¨ Así comienzan los paisajes que Guillaume Apollinaire calificaría como ¨Pintura Metafísica¨ en la primera exposición parisina de De Chirico, en 1911.
-"Tanto trabajo para nada...Mr. Gutenberg !."-
Hasta el SXV, los libros se reducían al ámbito religioso. Las Biblias de los monasterios eran producidas pacientemente de forma artesanal por los mismos monjes, quienes podían estar hasta 10 años en acabar un sólo volumen. Las letras mayúsculas se ornamentaban delicadamente y las láminas que representaban los distintos pasajes sagrados, se realizaban mediante la técnica del grabado sobre madera: la xilografía. Mediante la misma técnica, se imprimían pequeñas publicaciones, panfletos, etc, siempre de cortos tirajes. Viendo esta limitación, Johannes Gutenberg (1398-1468), decidió reinterpretar la técnica ya inventada por los chinos un par de siglos atrás. Improvisando una imprenta con una prensa de vino y los tipos móviles hechos en hierro, realizó su primer trabajo fechado en el año 1449, su "Misal de Constanza". Pero fué la "Biblia de 42 Líneas" la que lo hizo famoso, la que marcó el punto de partida de la "Era de la Imprenta", era el año 1455. Tras arduas jornadas de trabajo y de insolvencia financiera, Gutenberg buscó ayuda en prestamistas para acabar su proyecto de imprimir unas 150 Biblias. Viendo que se aplazaba su empresa, los tiempos no eran lo que él estimaba y tras varias quiebras, terminó dejando su trabajo al sobrino de uno de sus prestamistas, quien hacía de ayudante, quedándose éste con su obra inconclusa. Arruinado buscó asilo en un convento, donde murió en el año 1468. Su aprendiz, Peter Schöffer, acabó las Biblias y las vendió casi instantáneamente a muy buen precio, recibiendo a continuación, pedidos industriales de tan preciado libro. El caso es que Schöffer se forró, y el bueno de Gutenberg no vió ni una moneda de canto...
542 años después, decidí comprar un libro de Kurt Vonnegut en la librería que acostumbro ir a menudo. Días atrás había visto al pasar por la puerta, que había sido reducida a la mitad, que ahora compartía el espacio con una cafetería, el típico caso de reconversión, pensé, y me gustó la idea de poder hojear los libros mientras me tomaba un cortado. Entonces hacia allí dirigí mis pasos, a comprar "Matadero 5", empujé la puerta de hierro, crucé la bulliciosa cafetería y llegué al fondo del local, donde están las estanterías con los libros, y ahí fué la sorpresa: ví una pared repleta de libros, pero usados, viejos, en exposición, como si fuera un museo. En eso se acerca una persona, su dueño y me pregunta que quería tomar, dije un poco extrañado, que un cortado, y haciendo un gesto señalando a mis espaldas le pregunté "y los libros?"..."no, hay más libros, ahora es una cafetería a la que se puede venir a leer mientras se toma algo", respondió fríamente. Me explicó que las ventas eran nulas, que llegó a vender un libro por día, con suerte y que había tenido unas experiencias reveladoras de que éste era el fin del libro. "El libro electrónico ya es una realidad", me comentaba abatido, cualquier libro que se edite, antes que en las librerías ya está en internet y cualquiera lo adquiere gratuitamente. Yo pensaba en el acto de hojear un libro...como una...antigüedad ?, las casas sin bibliotecas...?... y continuó: "los niños no sabrán lo que es tener una foto en sus manos ni que es hojear un libro...", con esta última frase me cayó la ficha del desconsuelo total, imaginar eso me desbarató y prosiguió su lamento apocalíptico "...en el Rastro de Madrid, venden los libros por kilo, como papel viejo...". "Bueno", balbuceé, "por lo menos no se talarán más árboles...('), como un consuelo "ready made". Y me alejé cabizbundo y meditabajo...
-"Por qué no estornudar, Rrose Sêlavy'"-
Esta obra, fué un pedido de Katherine Dreier a Duchamp para regalársela a su hermana mayor Dorothea, también artista. Éste aceptó con la condición de tener plena libertad en su ejecución. Fué así como surgió de la mente aguda de Duchamp, "Why not Sneeze, Rrose Sêlavy?". Un misterioso objeto provocador, demasiado extraño para carecer de significado. Una jaula, pequeños cubos de mármol, un termómetro y un hueso de sepia. La aparente relación inconexa de estos elementos, escondía una cruel significación, que la destinataria no dudó al momento de rechazarla. Dorothea, una chica poco agraciada físicamente, se sintió desnudada ante aquel extraño objeto. Sus miserias estaban metafóricamente representadas ante cualquier espectador. Ella interpretó exactamente las malas intenciones del artista. Katherine, aceptó la devolución y la mantuvo en su poder hasta el año 1937, cuando la vendió a un coleccionista de obras de Duchamp por poco dinero. Por qué no estornudar?, le preguntaba Duchamp a Dorothea, por qué contener ese reflejo catártico, que produce placer y que acaba en tan solo un poco de humedad. Además de su connotación sexual, era una gran paradoja. Los que parecían leves cubos de azúcar, se transformaban en pesados cubos de mármol, resistiendo a la fuerza de quien levantaba la jaula, el termómetro permanentemente registraba la baja temperatura del gélido interior de la jaula, el hueso de sepia, muy común en la época para que los pájaros afilaran su pico, era testigo de la ausencia del ave. La obra iba directamente a los sentidos: el peso, la temperatura, el gusto y el oído. A primera vista, tantos elementos dentro de un espacio tan acotado, daba la impresión de estar a punto de explotar, como un estornudo. Esta obra inclasificable atacaba el pudor de quien la miraba.
Tiempo después, un crítico descifró en parte la obra, al encontrar posibles referencias en un poema de Gertrude Stein del año 1915: "Lifting Belly" o "Levanta el Vientre". En fragmentos de dicho poema se puede leer: " Estornuda, Así hay que decirlo...Detente por favor...Eleva el vientre, es de azúcar... Eleva el vientre por mí...Hermanas de excitación...Tu sabes que prefiero un pájaro, ¿ qué pájaro?...Uno amarillo...Es tan bueno levantar el vientre Y tan frío..."
Tanto el poema como la obra, se escapan de toda interpretación lógica, a todo hilo narrativo, golpean directamente a nuestros sentidos, nuestras emociones.
-"Las Notas Musicales, esas las de toda la vida"-
En el año 1030, un monje llamado Guido, el cual era Maestro del
Coro de la Catedral de Arezzo situada en la Toscana, creó los nombres de
las siete notas musicales, utilizando las primeras sílabas de los
versos de un himno dedicado a San Juan El Bautista.
UT queant laxis
REsonare fibris
MIra gestorum
FAmuli teorum
SOLve pollutti
LAbii reatum
Sancte Ioanness
("Para que tus siervos puedan, a plena voz, celebrar tus hechos maravillosos, purifica nuestros labios manchados, Oh San Juan")
En el S XVII la primera nota UT fue cambiada por DO, una sílaba mas sonora para el canto.
UT queant laxis
REsonare fibris
MIra gestorum
FAmuli teorum
SOLve pollutti
LAbii reatum
Sancte Ioanness
("Para que tus siervos puedan, a plena voz, celebrar tus hechos maravillosos, purifica nuestros labios manchados, Oh San Juan")
En el S XVII la primera nota UT fue cambiada por DO, una sílaba mas sonora para el canto.
-"James Ensor: La Enfermedad y su Medicina"-
"Nunca entendí la confusión de mis profesores con mi búsqueda continua". Malinterpretado por sus maestros el joven James abandona la Academia de Bellas Artes de Bruselas, la que anteriormente había bautizado como "cette boîte a myopes", y vuleve a su Ostende natal. Desde 1881 participó en exposiciones colectivas pero era dificilmente aceptada su obra."La Mangeuse d´Huitres",1882, "Les Bains D´Ostende" , eran rechazadas por el público y crítica en general. Buscando un posible refugio en los grupòs de pintores, se une a "Les Vingt", pero corre la misma suerte al ser marginado por sus mismos colegas artistas. En este período de rechazo e incomprensión, produce gran cantidad de trabajos, representando a Cristo como una proyección de sí mismo, siendo maltratado por la gente. poco a poco las máscaras van ganando lugar en su obra. "Escribía: estoy rodeado de hostilidad, comunmente soy criticado, encuentro gran diversión en pintar máscaras, para mi representan las caras hipócritas, afectadas de quienes quiero denunciar y aplastar con mi obra". La muerte también tiene su lugar importante en su obra. En 1888 pinta "Mon Portrait en 1960", al año siguiente " Mon portrait Squelettis". En 1891 trabaja intensamente y pinta "Ecce Homo", "Squelettes se Disputant un Hareng Saur", "Masques se Disputant un Pendu".Con "Les Bains D´Ostende", "Les Bons Juges", "Les Gendarmes", "Les Mauvais Médecins", critica a la sociedad en su conjunto, tomando la tradición flamenca heredera de Brueghel y El Bosco.
-"Black Dahlia: L.A. Exquisite Corpse"-
- Digno de una
película de David Lynch, el crimen de Elizabeth Short, continúa sin resolver. Esta chica, al estilo de Betty Elms del film "Mulholland
Drive", se trasladó de Boston a Los Angeles en busca del éxito, sin
sospechar que encontraría su fin apresurada y violentamente. Llamada
"Black Dahlia" postmortem por los periodistas de crónica roja, Short se involucró en la
noche y frecuentó el ambiente del espectáculo, intentando destacar como
bailarina ante algún contratista, pero tan solo encontró la muerte a sus
22 jóvenes años. El 15 de Enero de 1947, fué hallada descuartizada y
mutilada al borde de la californiana Norton Ave. El tronco estaba
separado de su cintura y piernas. La postura del tronco y brazos, se
parecía sospechosamente a una obra de Man Ray: "Minotaure"(1935). Las
investigaciones llevaron hasta un conocido médico, el Dr George Hodel el
cual, aunque casado, se relacionaba íntimamente con Short, con quien sospechosamente la
noche del crimen había estado de
fiesta. Él mismo dijo: "nunca podrán probar que yo cometí el crimen".
Hodel era íntimo amigo de Man Ray y al igual que éste, estaba viviendo
en California en el momento del crimen. Pocos meses después de
comenzadas las investigaciones, Man Ray abandonó, tras 7 años de vida californiana, Los
Angeles, dirigiéndose a Paris. Las investigaciones no lograron resolver
el crimen, el Dr Hodel demostró su inocencia atrincherado en su mansión diseñada
por Frank Lloyd-Wright. Por su parte Man Ray también quedó fuera de toda sospecha. Lo
cierto fué que la joven Short fué el soporte del mayor acto
surrealista: el crimen.
-"Ese Milagroso Brebaje Negro"-
Cuenta la leyenda, que estando Mahoma enfermo y débil, se le apareció el Arcángel San Gabriel. El mismo que tiempo atrás le había revelado Al-Corán, volvió esta vez para auxiliarle en su enfermedad. Le ofreció una bebida oscura que no sólo le devolvió la salud, sino también su virilidad. Esta bebida tan oscura como la piedra negra de la Kaabah en La Meca, fué llamada "Kawah" en su honor y con el tiempo se transformó en "Café". Esta historia tuvo como escenario las tierras de la antigua Abisinia, más concretamente Moca. Otra historia cuenta que una vez estando el pastor Kaldi, también en Abisinia, en las tierras de Kaffa, notó que sus cabras se habían extraviado, y al encontralas vió que saltaban y brincaban extrañamente, conforme comían un fruto rojo de una mata. Otro posible origen cafetero. Pero volviendo a Moca, desde esta ciudad-puerto, el café se introdujo en Yemen por creyentes que peregrinaban a La Meca. Allí se mantuvo celosamente guardado el secreto de tan milagrosa bebida. pero como siempre aparece algún osado. Un tal Baba Budant, un santo indio oriundo de Mysore, se llevó de regreso a su tierra siete granos de café, ocultos en sus vestiduras, suficientes para desayunarse un café cada mañana. Más tarde los marinos holandeses introducirían los granos de café en India y Ceylán, viendo lo apropiadas que eran esas tierras para su cultivo. Cuando los europeos recibieron vagas noticias de tan extraña bebida, no tardaron en darle un hálito de misterio del exótico oriente, donde era bebido por "sarracenos con cimitarra". Se cuenta que cuando los turcos avanzaban sobre Viena, surgió entre las tropas sitiadas, un joven polaco de apellido Kolschitzky, quien en 1683, tras tres siglos de asediada la ciudad, cuando se encontraban en los límites de sus resistencias contra el invasor, sabiendo turco, atravesó las tropas otomanas y acudió al Duque de Lorena por ayuda. A los pocos días retornó exitosamente y fué recibido con recompensas y con el beneficio de poner un negocio. Gracias a las ayudas que recibieron del citado Duque, las tropas otomanas abandonaron sus posiciones, dejando tras de sí, bolsas, sacos con granos oscuros. El héroe, al verlos, los reconoció y pidió se los ofrecieran, que él sabía qué hacer con ellos. Fué así como abrió el primer café vienés, "La Botella Azul" (Die Blaue Flasche) era el año 1688, donde se servía el café con un "Kipfel", un dulce con forma de medialuna, conmemorando la victoria sobre los turcos.
Anécdota Cafetera: Cuando en 1732, en Alemania se intentó prohibir el café a las mujeres, se decía que provocaba esterilidad, JS Bach, quien trabajó en la cafetería "Zimmermann", siendo también un gran consumidor de café, compuso con el texto del poeta Picander, "La Cantata del Café" (Kaffee-Kantate,BWV 211), de las poquísimas cantatas cómicas del genio. Las protestas de las mujeres le dió a Bach el motivo para su creación, en la cual un coro de mujeres reclamaba: " Quitemos antes el pan, que sin café estaremos muertas".
Durante el reinado de Luis XIV, el embajador de Constantinopla, Solimán Aga, solía beber café a la usanza de su tierra: amargo. Pero en una ocasión, una de las cortesanas que por ganar un poco más de atención, probó aquel oscuro brebaje, agregándole azúcar para aplacar su amargura. Este detalle no fué ignorado por el embajador que viéndolo se ocupó de que siempre hubiera azúcar y miel cuando bebía su café. Cuando éste abandonó la corte, el café pasó a ser tan solo un recuerdo, pero por poco tiempo, ya que en el puerto de Marsella comenzaban a llegar buques cargados de café. El café ya no era una empresa de viajeros aislados, sino todo un negocio sostenido por la expansión colonial.
Anécdota Cafetera: Balzac, gran y prolífico escritor, dependía pura y exclusivamente de su producción literaria. Esto hacía que ocupara la mayoría de su tiempo escribiendo, inclusive por las noches. El café lo terminó matando a los 51 años. Él mismo afirmaba: "El estado en que le pone a uno el café tomado en ayunas, en condiciones magistrales, produce una especie de vivacidad nerviosa que se asemeja a la de la ira; se alza la voz, los gestos expresan impaciencia enfermiza, quiere uno que vaya todo igual que van al trote las ideas. Está uno atolondrado, se encoleriza uno por naderias; se llega a ese variable carácter de poeta que tanto acusan los tenderos, se le atribuye al prójimo la lucidez que uno goza. Un hombre, un ingenio en ese momento, debe guardarse mucho de dejar que alguien se le aproxime". Me voy por un café.
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