" Waltzing Matilda"

  Cuántas horas pasé junto a algún amigo, intentando descifrar qué quería decirnos Tom Waits en aquel estribillo que repetía emotivamente en la maravillosa "Tom Traubert's Blues" (Small Change,1976): "...to go waltzing Matilda, you'll go waltzing Matilda with meee..." .
 

No había mucho misterio sobre cual era "core" de la canción: un vagabundo alcohólico y las vicisitudes de la vida en la calle, en algún lugar lejos de su hogar. Hasta ahí íbamos bien, pero con el estribillo quedábamos haciendo suposiciones que desembocaban en la libertad poética total. Pensábamos lo bonito que sonaba "valseando a Matilda", bailando un vals imaginario en el delirio del borracho con una chica llamada Matilda, a quien ha conocido y forma parte de un pasado mejor. Y fin de la historia...

Por esos años, encontré mientras hojeaba una revista sobre Australia (una National Geographic), la foto de un barco que se hacía a la mar por primera vez, en el momento del botellazo de champagne en la proa y en el pie de foto la leyenda en inglés: "...bla bla bla waltzing Matilda" (!). Y ahí volvió a corroerme la curiosidad, ya que el desconcierto fué total, qué tenía que ver un barco en todo esto?...Claro, pensé, el balanceo del mar... el movimiento se asemejaba a la cadencia del vals... permanecí en silencio intentando hallar una respuesta a mi interrogante cada vez mayor. Mi conclusión hacía agua y lo sabía.

Años pasaron para que me cruzara un día con la bendita frase y en esa ocasión empecé a atar cabos que me llevaron a buen puerto.
 

Primero descubrí que ya existía una canción con ese nombre, una canción popular, "folk", que está considerada el "himno alternativo australiano", por ahí cerraba el tema del barco. La canción habla sobre un vagabundo que al detenerse en unos arbustos, ve a una oveja, que mata para comérsela. El dueño del ovino lo descubre, acto seguido llama a la policía y al momento de deneter al pobre hombre, éste se ahoga en la laguna del lugar, provocando que su fantasma pernocte por la zona por siempre. Triste muy, sin duda. Pero por qué "waltzing Matilda"?.
 

Ahí comenzó la disección de la frase, primero "waltz", del alemán "auf der walz", un concepto medieval que se aplicaba para llamar al viaje iniciático que debían realizar los aprendices de algún oficio, trabajando, para conocer distintas técnicas que enriquecieran su labor. Este viaje duraba unos años, y como detalle destacable era que debían comenzarlo con una cantidad de dinero que al volver debían conservar como señal de que habían trabajado para sobrevivir, ya que de aprendiz no se cobraba dinero, se vivía de lo que le brindaran los maestros que les acojieran. Al retornar a su pueblo o ciudad, debían realizar un trabajo aplicando todo lo aprendido, una especie de prueba final, para ser aceptados por su gremio como verdaderos maestros artesanos.
"Waltzing" ya tenía un significado más claro.

"Matilda", resultó ser el nombre que se le da al saco o bolsa que llevan los vagabundos con sus magras pertenencias, lo que pueden ponerse al hombro para hacer sus vidas errantes mínimamente más confortables.

  Epílogo. "Waltzing Matilda", la canción más veces grabada en la historia de Australia, y que posee un museo propio, quiere decir: "paseando el saco".
Está clarísimo.

"Antigüedades picassianas"

  Para que a un objeto se le considere una antigüedad debe cumplir antes que nada con una condición sine qua non: tener por lo menos 100 años de existencia. Hasta ese momento, el objeto sean cuales sean sus características más destacadas no clasifica para tal categoría. Una vez alcanzada la centenaria edad, se reparará en su funcionalidad y en la técnica de su  ejecución, en relación a la tecnología y cotumbres del momento en que fué realizado. Ahí reside el quid entre "lo viejo" y "lo antiguo".

"Guitarra", 1913. Pablo Picasso

La obra "Guitarra" de Pablo Picasso cumplirá 100 años en 2013, es una buena ocasión para echarle un vistazo somero.


Picasso presentía que la culminación  de la aventura  del "Cubismo" (1909-1914) era inminente. Había transitado el monocromo "cubismo analítico" donde la técnica prevalecía sobre la metáfora y en ese momento corría el sprint  final del "cubismo sintético", exprimiendo sus últimas gotas poligonales. Lo único que restaba era pasar página y recordarlo como un período de transición, pues de haber continuado no hubiera desembocado en otra cosa más que en un sucedáneo del mismo "ismo". El "Cubismo" había dado todo de sí, en los albores de la "Primera Guerra Mundial" acaba el período cubista, que reaparecerá como un recurso en obras futuras.

La singularidad de "Guitarra" reside en que la composición cubista  se despega del plano, pasando de las dos a las tres dimensiones, dotándose de volumen. Aunque a las composiciones "sintéticas" se les había integrado la técnica del "collage" y el "papier collé", "Guitarra" no está concebida como un "collage" sino como una "mutación escultórica de la pintura". Alterna distintos planos con espacios vacíos, superficies huecas, otorgándole profundidades diversas y un carácter indefinido que la acerca a la escultura.

Algunos vieron en ella un estudio previo de la casi idéntica "Guitarra"(1914) realizada en lámina de metal, suplantando al cartón, y alambre, pero quedó descartado, Picasso la consideró una obra por sí misma.

 Esta obra es considerada "clave" por ser el primer ejemplo del uso de una técnica que se desarrollará en todo el SXX

La elección aparentemente espontánea de los materiales, de uso cotidiano (cartón, papel, alambre, cuerda) más el no haber utilizado las técnicas tradicionales de la escultura, el modelado y el tallado,  da como resultado que no  sea considerada una escultura propiamente dicha, sino la ejecución de una nueva técnica: el "assemblage".
El "assemblage" o "ensamblaje" es una "composición escultórica" formada por elementos preexistentes de distinta procedencia, ensamblados, unidos entre sí de manera rudimentaria, donde el rastro del artista es manifiesto. 

Para realizarla, Picasso superpone distintos planos como si de plantillas se tratara, a los que une entre sí con cuerda y alambre, dejando la estructura de la composición a la vista, en un estado "crudo". Ni oculta ni utiliza otros materiales que los que se ven a simple vista, lo que insufla a la obra una austeridad y una simpleza en la ejecución que la transforma en un paradigma del SXX. Estos detalles formales definen a la obra como el primer ejemplo de "ensamblaje".  Picasso una vez más había abierto un nuevo camino artístico, que sería identificado y desarrollado más adelante por artistas más jóvenes como Cornell, Keinholz, Spoerri, Beuys.

El término "assemblage" sería acuñado más adelante por el artista francés Jean Dubuffet (1901-1985) a partir de su obra "Assemblages d'Eimprentes" (1955).

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"Vecinos y Rivales"

La rivalidad sana es uno de los motores que impulsan a las personas a superarse y un estímulo para aguzar el ingenio cuando de  humillar al adversario se trata.

A lo largo de la historia se han dado diversos casos de rivalidades.
En el "mundo del arte" la malicia y la falsedad eran y son moneda común, pues es uno de los territorios donde el ego adquiere dimensiones tan desmesuradas que no admite en su conflictiva soledad la presencia amenazadora de un artista "mejor".

Es conocida la anécdota del intercambio de obras entre Pablo Picasso (1889-1973) y Henry Matisse (1869-1954).
Matisse veinte años mayor que Pablo Ruiz, le propone un intercambio de cuadros. Picasso acepta y Matisse es el primero en elegir, concertan una visita al atelier de Picasso y se queda con una pintura muy buena. Llegado el turno del malagueño, le visita al maestro francés y elige una obra bastante mala, incolgable, lo cual despierta la curiosidad del anfitrión. Matisse le hace un comentario acerca de lo mala que es esa obra y que hay mejores para elegir. Pero Picasso, más pícaro que hermoso, le espeta "cuando la gente vea lo mala que es tu pintura, dirá, qué mal que pinta Matisse". Lapidario.

Existen muchos casos por el estilo en la historia, pero el siguiente caso en especial no tomó tanta relevancia por haberse dado en otras circunstancias pero no deja de ser una muestra de astucia humana.

Este par de anécdotas se remontan a los años 30, a la lejana República O. del Uruguay y tiene como protagonistas a dos célebres arquitectos locales:

Julio Vilamajó (1894-1948) y Mauricio Cravotto (1893-1962).

Vilamajó, hijo de un comerciante emigrado de Perpignan, cursó la carrera de aquitectura en la "Facultad de Matemáticas" predecesora de las facultades de Ingeniería y Arquitectura y se graduó en 1915 a sus 20 jóvenes años. En 1920, tras presentar un proyecto a un concurso y ganarlo, es premiado con un viaje por Europa donde estudia a fondo la cultura mediterránea. Tras vaiajar por Grecia, Francia, España, Marruecos y Túnez, retorna con un concepto bastante personal de la arquitectura. Aunque parte de una base "funcionalista" francesa, a sus  proyectos los dota de ornamentación morisca, española y clásica, logrando un estilo que lleva su sello inconfundible.

En el otro rincón, se encuentra Mauricio Cravotto, quien tras una impecable carrera en la misma facultad que Vilamajó, se gradúa con Medalla de Oro, dos años después, en 1917, a los 24 años.

"Casa Cravotto" y "CasaVilamajó"

Aunque se conocían mutuamente y se respetaban como colegas, el factor desencadenante fué la construcción por parte de Vilamajó de su propia casa.

Fiel a su estilo, Vilamajó construyó su casa en 1930, en un soleada zona montevideana. La casa contaba (y cuenta) con cinco plantas, cada una con una función específica y con elementos decorativos de reminiscencias moriscas, con sus arcos y jardines interiores. El caso es que a los dos años, en 1932, Cravotto construye su propiedad frente por frente a la de Vilamajó. A escasos 50 metros edificaba la casa su futuro adversario. 

No faltaron ocasiones en que ambos arquitectos se encontraban por la calle, pero en una en especial al verse frente a frente, Vilamajó le dice a Cravotto: "tu casa es mejor que la mía" a lo que Cravotto un tanto sorprendido responde: "sí?, te parece?", "y sí" responde Vilamajó, "porque desde tu casa se ve la mía". Baja el telón.

En otras ocasiones, coincidían en concursos de arquitectura, (Cravotto, construyó varios edificios del Estado por concurso) y como ambos estudios se encontraban enfrentados, Vilamajó que mostraba más malicia que su vecino, se las ingeniaba para atormentarlo. Tras una jornada de trabajo en el proyecto para el concurso en que ambos participaban, abría las cortinas de su ventana y dejaba la luz encendida de su mesa de dibujo, toda la noche, simulando estar la noche en vela proyectando, sabiendo que eso perturbaría a Cravotto que seguro lo estaba observando desde algún rincón de su estudio. Se llegó a saber que dejaba un maniquí sentado a la mesa simulando estar trabajando por horas y horas y también que Cravotto sufría épocas de insomnio fulminante.

Una mínima historia, de una pequeña sociedad, que pinta de cuerpo entero a los seres humanos en sus luchas y desvelos.

"Balearic Flying People"

"The Book of AM" (1970-78) de "Can Am des Puig". 

"Can Am des Puig" fué una comunidad hippie formada en los años 70 por jóvenes de diversos países y se estableció a caballo entre Ibiza y Deiá (Mallorca). 

Los fundadores del grupo, el músico Juan Akortxa y su amigo Leslie MacKenzie, residentes en Ibiza, realizan en 1973 un viaje "iniciático" que tiene como destino final India, algo bastante común en la época, en la que Goa y Katmandú eran destinos solicitados. Allí participan en fiestas costumbristas y religiosas en las que  conocen gente afín con la que comienzan a profundizar en alcanzar un "conocimiento universal". El relacionarse con otros viajeros de diferentes culturas, les aportan diversos puntos de vista filosóficos que asimilan para aplicarán luego en el proyecto "multicultural" que tienen en mente.

    Retornan a la mayor de "Ses Pitiuses", con la idea de recopilar en un libro todo el conocimiento y la experiencia del viaje realizado. El libro se llamará "The Book of Am" y contendrá acuarelas y dibujos en tinta china, en la parte gráfica, y textos que irán desde poesía mística a mitos y leyendas variopintas, de diversas culturas. 

Durante la realización, surge la opción de musicalizar las poesías. Con esta nueva propuesta, el libro abarcaría otros lenguajes expresivos, lo que desemboca en un album doble de composiciones "hippie-folk" (qué género sino).

 Para ello, invitan a músicos conocidos como Jon Anderson ("Yes") y Daevid Allen ("Soft Machine" y "Gong") que colaboran e involucran profesional y gratuitamente. 

El objetivo final era editar el libro con poesías y láminas acompañado de un album doble, conformando así una obra "mística-conceptual-artesanal".

contratapa

Lo amplio y complejo del proyecto, difería de la idea inicial, y tuvo como consecuencia que la falta de finanzas para abarcarlo todo, sólo les permitiera editar un album con unas escasas ilustraciones del libro, quedando el proyecto reducido a su mínima expresión. Así editan: "Part One: Dawn and Morning", (1978).

33 años después, en 2006, fué reeditado el formato completo. Libro y disco doble, conforme a la idea original, concluyendo así el dilatado proyecto "mistic melting pot". 

"Can AM des Puig"("Casa de Am del Monte"), era el nombre de la casa de campo, la casa pagesa donde  se estableció la homónima "comunidad hippie creativa". Dadas las características del "grupo humano" el nombre pudiera ser un juego de palabras y también significar "Cáñamo del Monte". La puerta psicodélica queda entornada...

"El Michael en Piedra"

  Esta cabeza de piedra caliza, representa a una mujer anónima que vivió durante algún momento  del llamado "Nuevo Imperio". Éste abarcó desde  la reunificación de Egipto llevada a cabo por Ahmose I en el 1550 AC hasta la "Vigésima Dinastía" o "Ramésida" en el 1070 AC . Este período se destacó por los reinados de  los más famosos de los faraones: Tutmosis, Akenatón, Tutankamón y Ramsés II entre otros.

No se sabe mucho más sobre la retratada, sí  que no era de origen noble como se deduce de su tocado; que no formaba parte de un grupo funerario y que su cabeza fué arrancada del busto. El detalle de la ausencia de nariz  no se debe a la erosión del paso del tiempo, sino a la acción de posibles iconoclastas cristianos o musulmanes.

La pieza fué comprada en El Cairo por el Barón Edward Ayer en 1894 y formó parte de la donación que este filántropo hizo a "The Field Museum" de Chicago en 1899. Esta y otras piezas de su propiedad conforman el sector "Dentro del Antiguo Egipto" y se exponen desde el año 1988. 

Pero esta talla en piedra, representa para muchos el modelo estético que inspiró a  quien fuera el "Rey del Pop".

Aunque afirman que Michael Jackson (1958-2009) nunca visitó "The Field Museum" de Chicago, perfectamente pudo haber sido el modelo a seguir para sus "retoques" faciales. La similitud es sorprendente, a la vista está y tomó notoriedad a partir de la misteriosa muerte de la estrella del pop el 25 de Junio de 2009. 

Pura coincidencia o acaso Michael fué un viajero temporal...??

"Living in the Merzbau"

  Kurt Schwitters (1887-1948), fué un artista alemán de raíz "dadaísta" y hasta el día de hoy es reconocido como "el maestro del collage en tres dimensiones" con materiales de desecho. En su búsqueda permanente dejó en su legado personal, un valioso aporte:  los "Merz". Los "Merz" consistieron en collages realizados con trozos de cosas (maderas, hierros, ruedas, tapas, etc) que el artista clasificaba y que partían de una idea surgida en la post-guerra de la  guerra del '14, en la cual participó como operario en una fábrica en su Hanover natal:"en la guerra todo se destruyó, y lo nuevo surgirá de los fragmentos que han quedado". Con esta filosofía creó los "Merz" que fueron el eje sobre el que giró su obra. Pero Schwitters consideró al trabajo de su vida a la intervención de las casas en las que vivió: los "Merzbau". 

A sus "Merz" les dió una vuelta más de tuerca y los metió dentro de su casa, convivió con ellos. Él reconoció tres "Merzbau"; el primero (que dió nombre a su proyecto) en su casa de Hannover. Lo comenzó en 1923 y lo acabó en el '33, y sería destruído en un bombardeo durante la Segunda Guerra. Y el tercero, en Londres, tras mudarse a allí en 1940. 

El término "Merzbau", es una creación del propio Schwitters y parte de la raíz  "Merz", una palabra sin sentido, que posiblemente derive de "Commerz Bank", que aparecía en uno de sus primeros "collages"; y el término "Bau" que significa "construcción" en alemán. 

A su trabajo lo comenzó incorporando volúmenes irregulares a cavidades realizadas en las paredes, alternándolos con objetos evocadores de otros artistas admirados por él como Malevich, Gabo, El Lissitzky, Mondrian, Arp. Fué así como poco a poco su casa comenzó a convertirse en un "templo geométrico", con grutas y columnas fugadas; la vida diaria transcurría en medio de una gran composición abstracta. 

Un claro intento de organizar el caos.

" Theodore y el Oso Viejo"

   Hay ciertas cosas que habitan nuestra cotidianeidad que aparentan haber estado siempre ahí. Objetos que no parecen que tuvieran un origen, sino que siempre han existido y existirán. Pero todo tiene un motivo y un origen en esta vida, por lo tanto el osito de peluche ("Teddy Bear") no escapa a esa ley.

 El "nacimiento" de este famoso juguete se remite a un hecho  concreto y que  el mismo nombre "Teddy" nos da la pista.

Para ello hay que remontarse a 1902; lugar: Estados Unidos, a un suceso singular que tuvo como protagonistas al entonces presidente de la nación  Theodore Roosevelt (1858-1919) y a un viejo oso negro.

Roosevelt, un personaje con muchas facetas, era un gran admirador y protector de la naturaleza, llegó incluso a escribir libros al respecto, una especie de visionario, de proto-ecologista en una época en que las personas hacían uso y abuso del medio ambiente.

En una ocasión, Roosevelt se trasladó al estado de Mississippi a practicar el "deporte real" de la cacería del oso, algo que por lo visto no iba en contra de sus convicciones naturalistas. Los días pasaban y no daba con un oso. Fué entonces que las personas de su entorno salieron en busca de un plantígrado para que la expedición no fuera un fracaso. Al cabo de tres días de búsqueda los cazadores furtivos dieron con un ejemplar bastante entrado en años que escapando de la persecución con perros, cayó agotado y fué herido salvajemente por los sabuesos.  Lo llevaron hasta donde se encontraba Roosevelt, lo ataron a un árbol e invitaron al presidente a dispararle en esas infames condiciones. Así luego podrían tomar una foto con el "trofeo de caza" que lo mostraría como un mandatario con agallas y afianzaría aún más su imagen de masculinidad por la que era reconocido. A Roosevelt se le conocía como el "presidente cowboy" por haber crecido en la dura vida del campo y por su integridad férrea.

Lo cierto es que éste se negó a dispararle al animal cautivo por ser de una antideportividad absoluta y ordenó que se le sacrificará inmediatamente por el sufrimiento que experimentaba de las heridas recibidas durante su persecución.

Este suceso no tardó en hacerse público y fué inmortalizado por el caricaturista Clifford Berryman del "Washington Post" el 16 de Noviembre de 1902. En la caricatura se mostraba al presidente, negándose a disparar al oso, que a diferencia de la realidad, aparecía como un adorable cachorro tembloroso.

El comerciante Morris Michton, vió en el "bear-affaire" una oportunidad beneficiosa imposible de dejar pasar. Tomó unos ositos hechos a mano por su esposa, rellenos de lana, los expuso en el escaparate de su tienda y pidió permiso al presidente para usar su sobrenombre "Teddy". Así salieron los primeros "Teddy Bears" al público y se consolidó la "Ideal Novelty & Toy Co.".

Al año siguiente, en Alemania, Margaret Steiff, una mujer que había sufrido un accidente, luchaba contra sus limitaciones físicas produciendo artesanalmente animalitos de peluche para sobrevivir. Las creaciones "Steiff" comenzaban a conocerse en la población y destacaban elefantes y otros animales más de la fauna salvaje, pero fué el ojo de un turista americano que descubrió entre tanto peluche, uno de un osito. En seguida se puso en contacto con la incipiente marca "Steiff" e hizo un encargo de 3.000 osos de peluche para exportar a Estados Unidos. Esto provocó el "boom" definitivo de los "Teddy Bears", ese "osito de peluche" al que aún hoy, 110 años después, ningún niño se resiste a abrazar con todas sus fuerzas.